Analiz ettiğimiz her türlü işitsel duyum - perde, melodik, polifonik, armonik, tını-dinamik - yalnızca tek bir koşulda gelişebilir: eğer müzisyen sözde gelişimin gelişimine çok dikkat ederse. iç işitme ve bununla ilgili Müzikal ve işitsel algılar.

Müzikalin anlamı işitsel fikirler Bir müzisyenin faaliyeti için, herhangi bir insan faaliyetinde bir ön eylem planının oynadığı rolü analiz edip analiz edersek, bu daha açık hale gelecektir. Müzikal ve işitsel performanslar, bir ev inşa ederken bir mimari ve inşaat projesiyle, bir araba inşa ederken bir tasarım geliştirmeyle, bir film veya tiyatro oyununu sahnelerken bir senaryoyla veya bir uzay roketini fırlatırken yörüngenin matematiksel hesaplamalarıyla aynıdır. Projede, eylem planında, hesaplamalarda yapılan hatalar ve yanlışlıklar, planın hayata geçirilmesinde kaçınılmaz ve kaçınılmaz olarak başarısızlığı beraberinde getirir.

İç işitme ve müzikal-işitsel algılar, müziği dış sese güvenmeden sessizce duyma ve deneyimleme yeteneğiyle, Rimsky-Korsakov'un tanımına göre “müzik tonlarını ve bunların ilişkilerini bir sesin yardımı olmadan zihinsel olarak temsil etme yeteneği ile ilişkilidir. enstrüman veya ses.

Müziği spekülatif olarak içsel olarak duyabilme yeteneği, icracının enstrüman olmadan bir parça üzerinde çalışmasına yardımcı olur, işitsel fikirlerinin kalitesini ve içeriğini iyileştirerek oyunun kalitesini artırır.

Müzikal-işitsel temsillerin fizyolojik temeli, birçok kez tekrarlandığında hafızanın substratları olan serebral kortekste “izler” oluşturan sinir yollarının gelişimidir. İzlerin netliği ve netliği, eserin icrası sırasında heyecan dalgalarının içlerinden daha kolay akmasını sağlar.

Schumann, “Genç Müzisyenlere Tavsiyeler”de müzikal ve işitsel kavramların öneminden şöyle söz etti: “Kağıt üzerindeki tüm müziği anlayacak noktaya ulaşmalısınız… Çalabilmeniz için önünüze bir beste koysalar, önce gözlerinizle okuyun.”

Müzikal ve işitsel algıların gelişimi hafıza fonksiyonuyla ilişkilidir. Müzikal hafızayı geliştirerek müzikal işitsel algıları ve ses perdesini duymayı geliştiririz. Bununla birlikte, bir enstrüman çalarken, işitsel hafızanın gelişimi, başta motor ve görsel olmak üzere diğer hafıza türlerinin ezberleme sürecine dahil edilmesi nedeniyle karmaşık hale gelir. Bu tür hafızayı kullanarak bir parçayı ezberlemek genellikle bir parçayı kulaktan kulağa ezberlemekten daha kolaydır. Bu nedenle Teplov'un işaret ettiği gibi “en az direncin yolu açılır. Ve bu yol bir kez açıldığında, zihinsel süreç her zaman o yöne yönlendirilmeye çalışacaktır ve onu en büyük direniş yoluna döndürmek inanılmaz derecede zor bir görev haline gelir."

İÇİNDE modern metodoloji“Gör - duy - çal” üçlüsü müzik eğitiminde sağlam bir şekilde yerleşmiştir. Bu formülün anlamı, çalınacak müziğin içsel duyumunun ön aktivasyonudur. Bir müzisyen, iç kulağıyla henüz çalması gerekenleri duymadan, yalnızca daha önce çaldığı şeyi duyarsa, sonuçlar hayal kırıklığı yaratır. Arthur Rubinstein öğrencilerine "Daha fazla düşünün, oynamayın" dedi. “Düşünmek zihinsel olarak oynamaktır.”

Aynı fikir, farklı varyasyonlarla, tüm önemli müzisyenlerin ve öğretmenlerin pedagojik talimatlarında da yer almaktadır. Hoffman röportajlarında "Piyano performansı her zaman ikinci sırada yer almalıdır" dedi. - Öğrenci her notanın, dizilimin, ritmin, armoninin ve notaların içerdiği tüm talimatların farkına varıncaya kadar klavyenin başına geçmezse kendisine çok iyi bir hizmet yapmış olacaktır... Ancak müziğe hakim olduğunuzda bu şekilde onu "piyanoda" seslendirebilirsiniz... çünkü "çalmak" yalnızca icracının çok iyi bildiği şeyin elleriyle yapılan bir ifadedir."

Liszt hakkında yeni bir eser öğrenip onu dikkatle inceledikten sonra konserde çalabileceği söylendi.

Onu yakından tanıyanlar yerli piyanistimiz G.R.'nin piyano olmadan çalışmayı sevdiğini söyledi. Bunu yapmak için bir sandalyeye oturup dikkatini müzikal ve işitsel temsillerin görüntülerine odaklayarak, konser programını baştan sona yavaş bir tempoda "çaldı" ve iç kulağıyla tüm konser programını çok detaylı bir şekilde duydu. müzikal doku ayrıntılı olarak ve bir bütün olarak.

Bölümler: Okul öncesi çocuklarla çalışmak

Açık modern sahne toplumun gelişimi, pedagojik süreçteki müzikal ve işitsel temsiller, çocuğun kişiliği üzerinde faydalı bir etki yaratma konusunda zengin bir potansiyele sahip bir temel olarak giderek daha fazla kabul edilmektedir. Son bilimsel araştırmalar, müzik ve işitsel kavramları, müzik sanatının ortaya çıkışı, yaratılması ve asimilasyonu sürecinde ortaya çıkan ve gelişen insan kişilik özelliklerinin bir kompleksi olarak yorumlama eğiliminin ana hatlarını çizmiştir. Müzik sanatının bir kişi üzerinde büyük bir etki gücü vardır, doğrudan onun ruhuna, deneyimlerinin ve ruh hallerinin dünyasına hitap eder. Müzik sanatı, maneviyatın, duygu kültürünün beslenmesi sürecinde ve kişinin kişiliğinin duygusal ve bilişsel yönlerinin gelişmesinde büyük bir rol oynar. Müzikal ve işitsel algılar, çeşitli yaşam durumlarında kendini gösterir: konuşma tonlamalarını ve diğer doğal ses olaylarını algılarken, deneyimlerken ve kavrarken; gönüllü dikkatin ve çeşitli işitsel hafıza türlerinin tezahüründe; bir kişinin psikoenerjetik yeteneklerini (performansını) ve yaratıcı ihtiyaçlarını (hayal gücü, yaratıcı çağrışımları) teşvik ederken; Bireyin değer yönelimlerinin oluşumunda. Müzikal ve işitsel fikirlerin oluşumu, çocuğun psiko-duygusal sağlığının korunmasına ve güçlendirilmesine, toplumun kışkırtıcı - agresif etkisine karşı iç koruma faktörlerinin gelişmesine, uyum yeteneklerine ve insan yaşamının olumlu yönlerinin telafisine katkıda bulunur. Böylece, müzikal-işitsel kavramların oluşumu sorununun alaka düzeyi, müzik-pedagojik uygulamanın ihtiyaçları ile desteklenmektedir.

Müzikal yetenekler, müzik etkinliklerinin başarısının bağlı olduğu benzersiz bir yetenek birleşimidir. Müzikal yeteneklerin ayrılmaz bir parçası olarak müzikal-işitsel temsiller, bir müzik parçasını ezberleme ve onu hafızadan yeniden üretme yeteneğinde ifade edilen, melodik bir çizginin perde hareketini yansıtan işitsel temsilleri gönüllü olarak kullanma yeteneğidir. Müzikal-işitsel kavramlar hem ses perdesini, hem de tınıyı ve dinamik işitmeyi ifade eder. Perde işitmesi, yüksek ve alçak sesleri algılama ve ayırt etme, bir melodiyi zihinsel olarak hayal etme ve onu seste doğru şekilde yeniden üretme yeteneğidir. Tını işitmesi, sesin belirli rengini algılama ve ayırt etme yeteneğidir. Dinamik işitme, sesin gücünü, ses gücündeki kademeli artışı veya azalışı algılama ve ayırt etme yeteneğidir. Psikologlar çocukların işitme hassasiyetinin erken dönemde geliştiğini belirtmektedir. A.A. Lyublinskaya'ya göre bebek, yaşamın 10.-12. gününde seslere tepkiler geliştirir. Orta yaşlı çocuklarda gelişimin özellikleri okul öncesi yaş müzikal yeteneklerin tek bir sistem olarak bireyleşmede gelişmesi, ancak modal duyunun gelişimde müzikal-işitsel kavramların ilerisinde olmasıdır.

Müzikal ve işitsel fikirler oluşturmanın bir yolu olarak şarkı söyleme etkinliğinin incelenmesinin metodolojik temeli: A.E. Egorova, E.I. Almazov, B.M. Teplov, V.P. Morozov, O.V. Ovchinnikova, A.E. Varlamov , N.A. Metlova. Müzikal ve işitsel algılar (perdeyi duyma gibi) ile şarkı söyleyen ses arasındaki ilişki, müzik psikolojisi ve pedagojisinin temel sorunlarından biridir. Ülkemizde ve yurt dışında pek çok araştırmacı doğrudan ya da dolaylı olarak bu konuyla ilgilenmektedir. Pek çok çalışma şarkı söyleme sesinin gelişimi için gerekli bir faktör olarak müzik kulağının önemini vurgulamaktadır: vokal tonlamayı kontrol etmek, şarkı söyleme becerilerini geliştirmek ve ses kalitesini izlemek. Okul öncesi çağ, müzik yeteneklerinin, müzikal-işitsel algıların ve şarkı söyleme becerilerinin oluşumu ve gelişimi için son derece elverişlidir. Rus vokal okulunun kurucularından harika bir besteci ve öğretmen olan A.E. Varlamov, doğru seslendirme konusunda erken eğitim ihtiyacından bahsetti. Bir çocuğa çocukluktan itibaren şarkı söylemeyi öğretirseniz (derslerinize dikkat ederek) sesinin esneklik ve güç kazanacağına inanıyordu. Özel bir aparat kullanılarak ses fizyolojisi alanında yapılan araştırmalar, ses üretiminin ana göstergelerinin - perde, ses dinamiği - iki kas grubunun çalışmasıyla belirlendiğini göstermiştir: ses tellerini kasan vokal (vokal) kaslar ve ön kaslar. ses tellerini sıkılaştıranlardır. İÇİNDE çocuk YuvasıÇocuklara en basit şarkı söyleme becerileri öğretilir: doğru ses üretimi, doğru nefes alma, iyi diksiyon, temiz tonlama. Şarkı söylemek, bir melodiyi sesle yeniden üretme ve şarkının içeriğini deneyimlemenin aktif sürecidir. Şarkı söyleme etkinliği okul öncesi çocukların ana müzik etkinliği türüdür. Şarkı seçerken çocukların yaşını, ses yeteneklerini, müzikal gelişim düzeyini ve şarkıların içeriğinin eğitimsel yönelimini dikkate almak gerekir. Çocuklara doğru şarkı söylemeyi öğretmek için şarkı söyleme tutumu izlenmelidir. Çocuklara şarkı söylemeyi öğretirken aynı derecede önemli bir durum da şarkı söyleme becerisidir: ses üretimi. Bu ses üretmenin bir yoludur. Çocuklar bağırmadan, zorlamadan, doğal, tiz ve parlak bir sesle şarkı söylemelidir. Şarkı söyleme etkinliği birbirini takip eden 3 aşamadan oluşur.

Aşama 1 – (şarkı söyleme etkinliğine hazırlık) – şarkıya alışma. Eğitimin ilk aşamasının amacı çocukların ilgisini çekmek, bir müzik eserinin içeriğini ortaya çıkarmak, müzikal ifade araçlarını belirlemektir.

Aşama 2 – şarkıyı öğrenmek. Bu aşamada çocuklara şarkı söyleme becerilerinin öğretilmesine yönelik ana çalışma gerçekleşir.

Aşama 3 – (şarkının yaratıcı performansı). Şarkının müzikal ve sanatsal imajını, duygusal ve etkileyici performansını yeniden yaratmaya çalışın.

Müzikal ve işitsel fikirlerin oluşumu en iyi şekilde, uyarıcı materyalin kullanımıyla şarkı söyleme etkinliğinin hazırlık aşamasında gerçekleşir. Çalışma, V.P. Anisimov'un müzikal-işitsel fikirlerin, seslerin perdesinin duyumunun yansımasında ve tonlamalardaki (belirli bir melodinin) ilişkilerindeki değişikliklerin, modal işlevlerin, tını ve dinamik komplekslerin ayırt edilmesinde ortaya çıktığı görüşüne dayanmaktadır. , melodinin çok sesli sunumunun seslerinden birindeki değişikliklere verilen tepkiler. Çalışmamda V.P. Anisimov'un önerdiği, uyarıcı materyaller kullanarak şarkı söyleme etkinliği sürecinde müzikal ve işitsel fikirlerin oluşumunu amaçlayan yöntem ve teknikleri değiştirdim. Uyarıcı materyal, çocuk tarafından önceden öğrenilen veya öğretmen tarafından çocuğa uygun bir aralıkta bireysel ses performansı modunda önerilen resimler, basit ilahiler veya şarkılar gibi alıştırmalardan oluşur. “Kedi ve kedi yavrusu”, “Melodi nereye gidiyor?”, “Kaç ses?”, “Neşeli ve üzgün cüce”, “Kızların ruh hali”.

Uyarıcı materyali seçme ilkeleri:

1. Son derece sanatsal ve bilgilendirici müzik metni;

2. Figüratif içerikte sadelik, parlaklık ve çeşitlilik;

3. Malzemenin melodisinin aralık açısından çocukların ses yeteneklerine uygunluğu;

4. Tempo performanslarının denetlenmesi;

5. Uyarıcı materyalin ritmi basit ve erişilebilirdir;

6. Ritmik kalıbın basitliği ve erişilebilirliği;

7. Ses perdesi sunumları kontrasta göre seçilir.

Uyarıcı materyal didaktik gereksinimleri karşılar: erişilebilirlik, sistematiklik ve tutarlılık, farkındalık, etkinlik.

Nefes alma, diksiyon ve artikülasyon egzersizleri uygulandıktan sonra çocuklara aşamalı olarak uyarıcı materyaller kullanılarak bir dizi egzersiz sunulur.

Aşama 1 – müzikal seslerin melodik bir çizgideki perde konumu hakkında fikirlerin oluşması. Bu aşama için çocuklarda seslerin perdeleri arasındaki ilişkiyi yeterli düzeyde anlama becerilerini geliştiren bir dizi alıştırma seçilmiştir. Kullanılan egzersiz V.P. Anisimov'un “Kedi ve Yavru Kedi” görüntüsüdür. Uyarıcı materyal kullanan bu alıştırmaya benzer şekilde, alıştırmalar geliştirildi - “Ördek ve Ördek Yavrusu”, “Aile” resimleri. Uyarıcı materyal olarak, birinci ve ikinci oktavda piyanoda icra edilen, özel olarak seçilmiş müzik eşliğini kullandık. Ek 1.

Aşama 2 – melodinin yönünü belirleyerek perde duygusunun oluşturulması.

Müzisyenlerin ve öğretmenlerin araştırmasına göre, müziği algılarken ses tellerinin hareketi gözlemleniyor, yükseklik algısı vokal motor becerilerin katılımıyla, ses aparatının hareketleriyle ilişkilendiriliyor. Anisimov V.P. bir alıştırma sunuyor - “Müzikal tahminler” oyunu. Ek 2.

Bir melodiyi sesle yeniden üretirken melodik çizginin hareketinin hissi çok önemli olduğundan, melodinin ileri hareketini uyarıcı materyalde - bir alıştırma - N.A. Metlov tarafından önerilen "Matryoshka" ilahisini yeniden üretmeyi öneriyoruz. Ek 3.

Aşama 3 – vokal tipinin gönüllü işitsel-motor temsillerinin oluşumu , onlar. melodinin tonlama standardının işitsel temsillerine uygun olarak ses tellerinin kaslarını kontrol etme (koordine etme) yeteneği. Ek 4.

Müzikal ve işitsel algıyı geliştirmeye yönelik alıştırmalar - görseller, alıştırmalar - oyunlar, şarkılar ve ilahiler kullandığımız şarkı söyleme etkinliğinin hazırlık aşamasını tamamladıktan sonra müzik dersi kapsamında şarkı repertuvarı üzerinde çalışmaya geçiyoruz.

Sonuç olarak, orta okul öncesi çağdaki çocuklarda ortalama düzeyde müzikal-işitsel kavramların oluşumu ile müzikal-işitsel kavramların oluşumunu amaçlayan çalışma sonrasında aşağıdakiler gözlenmiştir:

– perde işitme kalitesinde olumlu değişiklikler;
– melodinin yönünü algılama ve hayal etme yeteneği.

Müzikal ve işitsel kavramların gelişimi oldukça yüksek olan çocuklar şunları geliştirdi:

Okul öncesi eğitim kurumlarında derslerde müzik direktörü tarafından uyarıcı materyal kullanılarak yapılan alıştırmalar ek materyal olarak kullanılabilir.

Müzikal yetenek. Müzikal yetenekler. Müzik kulağı, çeşitleri, bileşenleri. Müzikal işitmenin bazı psikofizyolojik özellikleri hakkında. İç işitsel temsiller. Müzikal düşünme ve hayal gücü. Müzikal yetenekleri belirleme yöntemleri.

I. Başarılı bir müzik etkinliğine katılmak için müzik yeteneği ve müzik yetenekleri gereklidir.
Başlıca müzikal aktivite türleri şunlardır:
1) müzik dinlemek
2) müzik icra etmek
3) müzik bestelemek

Müzikal yetenek- bu, gelişmiş zeka, müzik kulağı, hayal gücünün gücü, zenginliği ve inisiyatifi, özel bir zihinsel güç konsantrasyonu, dikkat içeren çeşitli yetenekler kümesidir; istemli özellikler; organizasyon; kararlılık; sanat ve müzik sevgisi; performans aparatının fiziksel özellikleri.

Müzikalite- bu, müzik etkinlikleri için gerekli olan bireysel psikolojik özelliklerin özel bir kompleksidir. Müzikalliğin ana işareti, bir içeriğin ifadesi olarak müzik deneyimi, müziğe duygusal tepki verme yeteneği ve kişinin müzik yeteneğidir.
Ancak aynı zamanda müzikalite yalnızca doğuştan gelen kişilik özelliklerinin bir birleşimi değil, aynı zamanda gelişimin, yetiştirilmenin ve eğitimin sonucudur. Rimsky-Korsakov'a göre: "Sanat sevgisi ve tutkusu, daha yüksek müzik yeteneklerinin yoldaşıdır."

Müzik yeteneği- yapısında genel ve özel yeteneklerin ayırt edildiği bir kişinin bireysel psikolojik özellikleri. B. M. Teplov, her türlü müzik etkinliği için gerekli olan aşağıdaki temel müzik yeteneklerini değerlendirdi: modal duyu, müzikal-işitsel algı ve müzikal-ritmik duyu.

1. Üzüntü hissi- Sesler arasındaki ilişkileri etkileyici ve anlamlı olarak deneyimleme yeteneği. Bu, müzikal işitmenin duygusal veya algısal bir bileşenidir (algı - algı, nesnel gerçekliğin duyular tarafından doğrudan yansıması). Modalite duygusu, müzikal perde hissi ile ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır; melodinin algılanmasında, tanınmasında, tonlamanın doğruluğuna duyarlılıkta kendini gösterir. Modal duyu, ritim duygusuyla birlikte müziğe duygusal duyarlılığın temelini oluşturur. İÇİNDE çocukluk karakteristik tezahürü müzik dinlemeye olan sevgi ve ilgidir.
2. Müzikal ve işitsel performanslar- Daha önce algılanan müziği "zihinde" dinleme yeteneği, müzikal hayal gücünün, müzikal bir imajın oluşumunun ve müzikal düşüncenin ve müzikal hafızanın gelişiminin temelidir. Bu, müzikal işitmenin işitsel veya üreme bileşenidir. Bir melodinin kulaktan çalınmasında kendini gösterir; Modal his ile birlikte harmonik işitmenin temelinde yatmaktadır.
3.Müzikal-ritmik duygu– yeni ritmik kombinasyonları algılama, deneyimleme, doğru şekilde yeniden üretme ve yaratma yeteneği. Müzikal hareketin zaman akışının algılanması ve yeniden üretilmesiyle ilişkili müzikalite tezahürlerinin temelini oluşturur. Modal duygunun yanı sıra müziğe duygusal duyarlılığın temelini oluşturur.
Bu üç yetenek müzikalitenin temelini oluşturur.
Genel müzikal yetenekler arasında müzikal hafıza ve psikomotor yetenekler yer alır.

II.Müzik kulağı – müzikal izlenimleri algılama, hayal etme ve kavrama yeteneğidir. Organize ve gelişmiş bir müzik kulağı, ideolojik ve figüratif içeriğin bir ifadesi olarak bir müzik eserinin (dokusu ve biçimi) bütünsel algılanmasını ve tonlanmasını amaçlayan tek bir karmaşık yetenektir.
Herhangi bir müzik etkinliği için müzik kulağına ihtiyaç vardır. Müzik kulağının önemi ve gelişiminin önemi hakkında büyük müzisyenlerin birçok ifadesi korunmuştur:
1.R. Schumann kitabında " Hayat kuralları müzisyenler için” şöyle yazdı: “Kendinizi o kadar geliştirmelisiniz ki, müziği gözlerinizle okuyarak anlayabilirsiniz.”
2.M. Glinka ve A. Varlamov, şarkıcıların yetiştirilmesinde ve eğitiminde müzik kulağının önemini güçlü bir şekilde vurguladılar. Glinka, kişinin "sesin aslına uygunluğuna ve ardından kolaylığına", yani her şeyden önce duymaya, sonra sesi doğru şekilde oluşturmaya daha fazla dikkat etmesi gerektiğini kaydetti. Varlamov, "kulak egzersizi yapmanın aynı zamanda melodilerinizi pratik etmek anlamına geldiğini", yani tonlamanın saflığını izlemek anlamına geldiğini belirtti.
3.G. Öğrencinin hayal gücünü ve işitme yeteneğini geliştirmek için Neuhaus, piyanoya başvurmadan bir şeyleri ezberlemeyi önerdi. Şöyle yazdı: “İşitmeyi geliştirirken (ve bildiğimiz gibi bunu yapmanın birçok yolu var), doğrudan sese göre hareket ediyoruz; Enstrümandaki ses üzerinde çalışarak... işitme yeteneğimizi etkiliyor ve geliştiriyoruz."
Faaliyet gerçekleştirmenin temelinin işitme, müzikle ilgili işitsel farkındalık olduğunu iddia eden daha birçok ifade var. Müzik kulağı, icra aparatının çalışmasını hareket ettirir ve kontrol eder, ses kalitesini kontrol eder ve eserin sanatsal görüntüsünün yaratılmasına katkıda bulunur. Müzik için gelişmiş bir kulak, kişinin müziği algılamasına, anlamasına, deneyimlemesine ve performans sırasında yaratıcı bir şekilde yaratmasına olanak tanır.

Müzikal işitme, bir dizi iç içe geçmiş bileşenden oluşan karmaşık bir olgudur; bunların başlıcaları şunlardır:
1) perde işitmesi, uyum duygusu ve ölçü ritmi duygusu, birlikte oluşur melodik kulak.
A ) perde duruşması müzikal sesleri mutlak perde ölçeğine göre belirlemenize olanak tanır, böylece müzisyenlere "istenen tonu vurmada doğruluk" sağlar.
B ) modal duygu- bu, bir melodinin bireysel seslerinin modal işlevlerini, kararlılıklarını ve kararsızlıklarını, seslerin birbirlerine doğru yerçekimini ayırt etme yeteneğidir.
3) ritim duygusu farklı hızlarda hareketin tekdüzelik duygusunu, yani bir ölçü duygusunu içerir; boyut duygusu, yani vurgulu ve vurgusuz vuruşların kombinasyonu ve değişimi; çeşitli sürelerdeki seslerin kombinasyonlarının, yani ritmin, ritmik kalıbın farkındalığı ve çoğaltılması.

2) akorların fonik renginin hissi, birçok sesin tek bir bütün olarak algılanması, yapı duygusu, topluluk ve işlevsel bağlantılar, birlikte makyaj harmonik işitme.
A) fonizm- bu, ton-işlevsel anlamlarından bağımsız olarak, harmonik bir aralığın sesinin rengi, doğası, kendi başına bir akordur.
2) bazı değerler "sistem" terimi müziğin içinde:
a) müzik kültürlerinin ulusal ve tarihsel benzersizliği tarafından belirlenen en tipik perde ilişkileri sistemi;
b) tonlamanın doğruluğu konusunda koro şarkıcıları arasındaki tutarlılık.
c) armonik (tonal) işlevler – çok sesli müzikteki seslerin ve ünsüzlerin anlamları.

Müzik kulağının başka yönleri de vardır:
1) tını işitme yani tınılara duyarlılık;
2) mimari işitme, yani biçim duygusu, bir eserin müzikal biçiminin yapısının çeşitli kalıplarını tüm düzeylerde kavrama yeteneği.
3) dinamik işitme, yani karşılaştırmalı ses yüksekliği hissi;
4) polifonik işitme– polifonide bireysel sesleri kulak yoluyla izole etme yeteneği;
5) dokulu işitme- bir müzik eserinin bitiş dokusunun en ince nüanslarını algılama yeteneği;
6) iç işitme- Bireysel seslerin, melodik ve armonik yapıların yanı sıra tamamlanmış müzik eserlerinin net bir zihinsel temsiline (çoğunlukla müzik notalarından veya hafızadan) sahip olma yeteneği; bu tür işitme, kişinin müziği "kafasında", yani herhangi bir dış sese bağımlı olmadan duyma ve deneyimleme yeteneğiyle ilişkilidir;

Seslerin perdesinin algılanmasının doğasına göre, müzikal işitme ikiye ayrılır: göreceli ve mutlak.
Bağıl işitme- bu, sesleri, aralıkları ve bunların modal ilişkilerini yalnızca belirli bir tonalite veya belirli bir sesle karşılaştırmalı olarak yeniden üretme ve algılama yeteneğidir.
Mutlak adım seslerin perdesini herhangi bir orijinal sesle karşılaştırmadan tanıma ve yeniden üretme yeteneğidir. Mutlak perde pasif veya aktif olabilir.
Pasif mutlak adım- bu, tını kriterlerine göre perdeyi tanıma yeteneğidir. Bu tür işitme duyusuna sahip bir kişi, belirli bir enstrümanın ürettiği sesleri tanır, ancak aynı zamanda bireysel sesleri veya tonları bağımsız olarak yeniden üretemez.
Aktif mutlak adım Bir kişinin belirli veya kayıtlı herhangi bir yüksekliği yalnızca tanıma değil, aynı zamanda yeniden üretme yeteneğini de varsayar.
Müzikal işitme, müzikal aktivitenin bir sonucu olarak ve özel egzersizler yoluyla gelişir.

III. Müzikal işitmenin bazı psikofizyolojik özellikleri hakkında. Müzikal işitmenin çeşitli tezahürleri, belirli fizyolojik eğilimlere, müzisyenin ruhunun yönüne ve aktivitesine, zengin hafızaya ve mantıksal düşünme yeteneğine dayanır.
Müzikal işitmenin (ve müzik becerilerinin) temeli beynin refleks aktivitesidir. Müzikal aktivitede çoğunlukla koşullu reflekslerle karşılaşırız. Koşullu refleksler, her biri üç ana bağlantıdan oluşan tekdüze eylemlerin sayısız tekrarının bir sonucu olarak oluşur: 1) müzikal aktivitede dış uyaranların yakalanması, bu yakalama, işitme organının - harici bir analizörün yardımıyla gerçekleşir; 2) bunların serebral kortekste analizi ve sentezi; 3) sonlu çeşitli reaksiyonlar.
Müzikal aktivite için en önemlisi ilişkilere ilişkin reflekslerdir. Ses perdesi, zaman ve diğer ilişkilere yönelik reflekslerin geliştirilmesi, müzikal işitmenin oluşumu için büyük önem taşımaktadır.

Müzikal aktivite aynı zamanda dinleme ve şarkı söyleme reflekslerini de geliştirir.
Dinleme refleksi şu şekilde kendini gösterir:
1. İlk bağlantıda dinleyici, müzikal sesin çeşitli bileşenlerini algılar - perde, tını, süre, ses seviyesi ve diğerleri. Ortaya çıkan tahriş, çeşitli analizörlerin (işitsel, görsel, motor ve diğerleri) hücrelerine yayılır, hafızadaki önceki izlerin izlerini canlandırır, çağrışımlar yaratır.
2. İkinci bağlantıda alınan uyaranların analizi ve sentezi gerçekleşir. Aynı zamanda serebral kortekste önceden birikmiş tahrişlerin izleri de onarılır.
3. Üçüncü bağlantıda çeşitli tepkiler ortaya çıkıyor: duygular, jestler, yüz ifadeleri, zihinsel şarkı söyleme. Bu temelde en dayanıklı sinir izi sistemleri ortaya çıkar.

Şarkı söyleme veya performans sergileme refleksi, çeşitli uyaranlara yanıt olarak performans sürecinde yer alan ses aparatının veya diğer kasların koordineli motor reaksiyonları sistemi olarak kendini gösterir. Her şeyden önce bu refleks, kulaktan melodi seçerken başka bir sanatçıyı taklit etmede kendini gösterir. Şarkı söylerken veya nota çalarken, algı mekanizması (refleks eyleminin ilk halkası) farklıdır: birincil uyarı işitselde değil, görsel analizörde ortaya çıkar (“Duymuyorum ama görüyorum”) ve ancak o zaman sesin zihinsel bir temsiline dönüşür. Bu geçişten önce, işaretlerin görsel görüntülerini karşılık gelen seslerle bağlantılandırma sürecinin birçok tekrarı gelir. Bu tür tekrarlar serebral kortekste iyi bilinen yollar yaratır. Daha sonra görsel ve işitsel imgeler arasında ortaya çıkan ilişkilere bağlı olarak güçlü deşifre becerileri oluşur.
Şarkı söylerken refleks eyleminin ikinci ve üçüncü bağlantıları, dinlemeye göre daha yakından bağlantılıdır. Daha fazla aktivite ve odaklanma ile karakterize edilirler. Serebral korteksteki analiz ve sentez, yalnızca melodinin bütünlüğünü anlamayı değil, aynı zamanda icrasının doğruluğunu da amaçlamaktadır. Üçüncü bağlantı aynı zamanda planın uygulanmasının doğruluğunun (tonlamanın doğruluğu, ölçü ritmi vb.) Aktif kontrolü ile de karakterize edilir. Bu kontrol bir geri bildirim mekanizması (plan, uygulanması - plana uygunluğun kontrol edilmesi - ayarlama) kullanılarak gerçekleştirilir.

Algı dinleme refleksine dayanmaktadır. Geçmiş deneyimler bunda özel bir rol oynar; serebral korteksteki refleks bağlantıların sağlamlaştırılması. Algılama sırasında ikinci sinyal sistemi aktif olarak etkinleştirilir (Pavlov'a göre soyut düşünmeyle, konuşmayla ilişkilidir). Müzikal sesin algılanan unsurlarının farkındalığı ve sözel tanımı sürecinde kendini gösterir. Algılama sırasında ilişkilere yönelik refleksler de aktif olarak ortaya çıkar, örneğin, ses duyumlarının sentezi ve aralarında ilişkilerin kurulması sonucunda aralık hissi ortaya çıkar.
Algı üzerinde çalışırken öğretmen, gösterinin ve ilginin ifade edilebilirliğinin "optimum heyecanlanma odakları" yarattığını dikkate almalıdır. Bu daha güçlü emilimi teşvik eder. İstikrarı ve dikkat süresini geliştirmek de önemlidir. Bu nedenle odaklanmış dikkat ve açıkça tanımlanmış bir görev özellikle önemlidir.

Fizyolojik süreç Geri çalma karmaşık. Ortaya çıkan tahriş (bir müzik notasının görsel görüntüsü veya ses temsili şeklinde) serebral kortekste işlenir, daha sonra sinyaller ortaya çıkar ve bunlar daha sonra çeşitli "yürütme organlarına" - şarkıcının ses tellerine, şarkıcının kaslarına - girer. bir kemancının, piyanistin vb. elleri. Ortaya çıkan sesler algılanıyor işitsel analizör, temsil edilen sesle karşılaştırılır. Çoğaltmada hatalar varsa düzeltilmesi gerekir.
Çoğaltmanın doğru olması için şarkı söyleme ve müzik enstrümanı çalma konusunda güçlü beceriler geliştirmek gerekir. Bu beceriler özel egzersizler sonucunda oluşur; solfej dersinde onlara özel ilgi gösterilir.

Oluşum süreci iç temsiller karmaşık beyin fonksiyonuyla ilişkilidir. Bir müzisyen, beynin "deposunda" olduğu gibi önceden alınmış uyaranlara dayanarak bir melodiyi, bütün bir parçayı, onun bireysel unsurlarını (akorlar, tınılar, ritimler, vuruşlar vb.) . Müzik kulağının gelişiminin daha yüksek bir aşamasında işitsel fikirler daha canlı ve istikrarlı hale gelir. Bir müzisyen bunları kullanarak yalnızca bireysel unsurların değil, aynı zamanda kendisi tarafından bilinmeyen bütün bir müzik eserinin sesini de hayal edebilir. Müzikal işitmenin bu özelliği - iç işitme - her türlü müzik aktivitesinde yaygın olarak kullanılır.

İç temsiller, bunların canlılığı ve doğruluğu büyük ölçüde belleğe bağlıdır. Belleğin kalitesi; hız, doğruluk, ezberlemenin gücü, hatırlama isteğinin etkinliği ve dikkatin hazır olması ile karakterize edilir.
Belleğin türüne bağlı olarak ezberleme:
1) çocuklarda şarkı söyleme refleksi gibi taklide dayalı doğrudan ses;
2) enstrümanı çalmanın motor refleksleriyle ilişkili mekanik;
3) mantıksal, anlamsal, anlamaya, bilgiyi kullanmaya ve bir düşünme sürecini temsil etmeye dayalıdır.
4) görsel.

Bu tür bellekler nadiren saf haliyle bulunur. Pedagojik uygulamada, her öğrencinin bir tür hafızaya olan eğilimlerini ve sinir faaliyetlerinin özelliklerini dikkate almak gerekir.

https://doi.org/10.24158/spp.2017.9.12

Kamalova Laura Surkhaevna

Kamalova Laura Surkhaevna

Dağıstan Devlet Pedagoji Üniversitesi Müzikoloji, Koro Şefliği ve Müzik Eğitimi Yöntemleri Bölümü Öğretim Görevlisi

BİR MÜZİSYENİN PERFORMANS BECERİLERİNİN GELİŞTİRİLMESİNE İLİŞKİN ÇALIŞMADA MÜZİKSEL-İŞİTSEL GÖRÜNTÜLERİN VE TEMSİLLERİN OLUŞTURULMASI

Dağıstan Devlet Pedagoji Üniversitesi Müzik Çalışmaları, Koro Şefliği ve Müzik Eğitimi Yöntemleri Bölümü

MÜZİSYENİN PERFORMANS BECERİLERİNİN GELİŞİMİNDE MÜZİKSEL VE ​​İŞİTSEL BELLEK TEMSİLLERİNİN OLUŞUMU

Dipnot:

Bir müzik parçası üzerinde çalışırken figüratif-çağrışımsal faktör büyük önem taşır. Bu, müzik icra etmenin sanatsal yönünü ifade eder. Vuruşlar, dinamikler, tonlama üzerinde çalışan sanatçı, tek tek öğelerin, parçaların veya tüm eserin istenen ses karakterini her zaman anında elde edemez. Performans sergileyen bir müzisyenin yaratıcı düşüncesini şekillendiren yöntemlerin üretkenliği sorunu oldukça önemlidir. Makale, iç işitme kavramını, yaratıcı müzikal düşüncenin gelişimindeki rolünü inceliyor, bir müzik eseri üzerinde çalışmaya yönelik ilişkisel yaklaşımın ana hatlarını çiziyor, müzikal-işitsel fikirlerin oluşumu ve kulak yoluyla seçim konularını vurguluyor. Müzik derslerinde listelenen anlamların yüzeysel olarak kullanıldığı, hatta dikkat edilmeden kaldığı, bunun da öğrenme sürecinde müzik materyalinin algı ve özümsenme kalitesini önemli ölçüde azalttığı unutulmamalıdır.

Anahtar Kelimeler:

müzikal düşünme, iç işitme, müzikal-işitsel temsiller, çağrışımlar, işitsel algı, performans becerileri.

Figüratif ve çağrışımsal faktör, bir müzik eserinin icrası sırasında büyük rol oynar. Bu, müzik çalmanın sanatsal kısmını ifade eder. Vuruşlar, dinamikler, tonlama üzerinde çalışan sanatçı, ayrı öğelerin, parçaların ve tüm kompozisyonun istenen ses doğasını her zaman elde edemez. Müzisyenin yaratıcı düşüncesini geliştiren etkili yöntemler güncel konudur. Makalede müzikte iç kulak kavramı ve yaratıcı müzikal düşüncenin gelişimindeki rolü ele alınmaktadır. Ayrıca, bir müzik çalışmasını icra etmek için çağrışımsal bir yaklaşımın ana hatlarını çiziyor ve müzikal ve işitsel temsillerin oluşumu ve seçimi konularını vurguluyor. Yazar, yukarıda bahsedilen kavramların müzik derslerinde yüzeysel olarak kullanıldığını veya değinilmeden kaldığını belirtmektedir. Müzikal materyalin öğrenilme kalitesini ve öğrenme sürecindeki algısını önemli ölçüde azaltır.

müzikal düşünme, müzik için iç kulak, müzikal ve işitsel temsiller, çağrışımlar, işitsel algı, performans becerileri.

F. Liszt bir keresinde gizemli bir cümle kullanmıştı: "Tekniğinizi ruhtan yaratın." Bu sözler farklı yorumlanmıştır, ancak onlara ne anlam yüklenirse yüklensin, bir şey açıktır: F. Liszt, icracı bir müzisyenin tekniğinin psişik alana kök saldığını kastetmiştir. Bir kişinin karakteri, mizacının özellikleri, daha yüksek sinirsel aktivitenin özellikleri ve zihinsel yapı - tüm bunlar ve çok daha fazlası doğrudan (veya dolaylı olarak) müzisyenin tekniğinde kendini gösterir.

Müzisyen-araştırmacı K.A. Martinsen sanatçıları "tiplere" ayırdı: "klasik", "romantik", "empresyonist". Verdiği güvencelere göre onları ayıran şey ellerinin yapısı değil, beyinsel, nöro-fizyolojik yapılarının "yapısı"ydı. Bu vakada farklı olan "fizik" değil, "ruh"tu. “Teknik... sadece parmaklar ve bilek ya da güç ve dayanıklılık meselesi değildir. Yüksek teknoloji beyinde yoğunlaşmıştır." Bu çok bilinen açıklama F. Busoni'ye aittir ve görüldüğü gibi, F. Busoni'nin idolü olan F. Liszt'in sözleriyle ve K.A.'nın açıklamalarıyla yakından ilgilidir. Martinsen.

Bir müzik aleti çalmak, öğrencinin belirli bilgi, beceri ve yetenekler kazandığı özel bir aktivite türüdür. Bu, bir sayfadan notaların okunmasını, enstrümanın arkasına uygun oturmayı, kulağa göre seçimi vb. İçerir. Bir müzik enstrümanı çalmayı öğrenme sürecinde performans becerilerinin oluşması önemlidir.

Beceri, tekrarlanan tekrarlarla oluşan ve otomatizme getirilen bir eylemdir. R.S.'ye göre. Nemov'un becerileri algısal, motor ve entelektüel olarak sınıflandırılıyor. Özelliklerin ve karakteristiklerin algısal - otomatik duyusal yansıması

iyi bilinen, daha önce defalarca algılanan bir nesnenin çubuğu; motor - daha önce defalarca gerçekleştirilen, harici bir nesneyi dönüştürmek için hareketlerin yardımıyla otomatik etki; entelektüel - otomatik bir teknik, daha önce karşılaşılan bir sorunu çözme yöntemi. Bir becerinin geliştirilmesi, egzersizlerin (hedefe yönelik, özel olarak organize edilmiş tekrarlanan eylemler) gerçekleştirilmesiyle elde edilen bir süreçtir. Egzersizler sayesinde eylem yöntemi iyileştirilir ve pekiştirilir. Beceri gelişiminin ana aşamaları: alışma - eylemi anlama ve uygulama tekniklerine aşina olma; hazırlık (analitik) - bireysel eylem unsurlarının ustalığı, bunların uygulanmasına yönelik yöntemlerin analizi; standartlaştırma (sentetik) - eylem elemanlarının otomasyonu, temel hareketlerin tek bir eylemde birleştirilmesi ve birleştirilmesi; değişen (durumsal) - eylemin niteliğinin gönüllü olarak düzenlenmesinde ustalaşmak.

Müzik performansının en önemli görevlerinden biri, bir müzik eseri üzerinde çalışma sürecinde imaj temsilinin oluşumuyla ilişkili müzikal-işitsel becerilerin geliştirilmesidir. Müzikal ve işitsel algılar sesten önce gelir ve onu şekillendirir. Belirli bir durumda belirli becerilerin seçimini etkileyen, ses görüntülerinin doğasıdır. Yukarıda belirtildiği gibi tekniğin gelişimi “sadece parmakların ve elin gelişmesinden” daha fazlasıdır. Zihindeki, içsel işitsel temsiller alanındaki çalışmadan, bir piyanonun (veya başka bir müzik enstrümanının) gerçek sesine dayanmadan gerçekleşen çalışmadan bahsedeceğiz. Bu tür çalışmaların kural olarak hem müzik öğrencileri hem de öğretmenleri tarafından hafife alındığı söylenmelidir. Mantık genellikle şudur: Enstrümanın başına oturup gerçekten pratik yapabilecekken neden kafanızda çalasınız, hayal edin, hayal edin? Kitlesel müzik pedagojik kullanımında konuya basitleştirilmiş, zanaatkar bir yaklaşım her zaman bulunmuştur, ancak bu, konunun özünü değiştirmez ve prensibin kendisini sorgulamaz: Bir müzik parçasını iyi çalmak için, İdeal bir örnek gibi bir şeyin gözlerinizin önünde olması için öncelikle gelecekteki sesini tüm ayrıntılarıyla iyi hayal etmeniz gerekir. Bu tamamen teknik olarak zor parçalar için geçerlidir. Belli ses standartları, mükemmel örnekler şeklinde hayal edilmeleri gerekir. Ve ancak bundan sonra özel teknik egzersizlerin tüm gücünü zor yere indirebilirsin. Önemli olan, ulaşmak istediğiniz performansı ilk kez duymadan öğretmeye başlamamaktır.

Zihninizde sessizce çalışmanın faydaları tamamen açık ve tartışılmaz çünkü ünlü müzisyenlerden elde edilen pek çok kanıt var. Örneğin, G.R.'nin ödevi Ginzburg: “Rahat, sakin bir pozisyonda bir sandalyeye oturdu ve gözlerini kapatarak her parçayı baştan sona yavaş bir tempoda “çaldı”, metnin tüm ayrıntılarını, sesini mutlak bir doğrulukla zihninde hatırladı. Her notanın ve bir bütün olarak tüm müzik dokusunun. Bu çalışma, dinamiğin, ifadelerin ve ritmik hareketin tüm tonları üzerinde maksimum konsantrasyon ve konsantrasyon gerektiriyordu. Ses imgesi müzik metniyle ve aynı zamanda parçanın piyanoda icrası sırasında meydana gelen fiziksel eylemlerle ilişkilendirildiğinden, sesin böyle bir zihinsel temsiline hem görsel hem de motor duyumlar katılıyordu.

Zihinsel öğrenme teknolojisinin farkında olan ve bunu kişisel olarak deneyen hemen hemen tüm müzisyenler şunu vurguladı: Kendi kendinize müzik çalarken, onu siyah beyaz değil, "renkli", renk vuruşlarının tüm zenginliğiyle duymanız gerekir ve Bir müzik parçasının piyanoda (veya başka bir müzik enstrümanında) fiilen icrası sırasında daha sonra gerekli olacak nüanslar. İcracının tekniği yalnızca tamamen biçimsel parametreler açısından kusursuz bir şekilde doğru olmamalı, aynı zamanda güzel, pitoresk ve çok renkli olmalıdır, böylece icracı bir müzik parçasının içerdiği tüm renk ve ses aromalarını çalarken aktarabilir. Ve tekniğinin bu şekilde olması için zihinsel olarak hayal etmeniz gerekiyor. Acemi piyanistlerin genellikle düşündüğü gibi, bir piyanonun sesinin sadece sessiz veya yüksek olabileceğini kanıtlamaya gerek yoktur. Ağır ya da soğuk, yumuşak ya da keskin, açık ya da koyu, parlak ya da donuk, parlak ya da donuk vb. olabilir. İcracının tüm bunları zihinsel olarak tahmin etmesi, elleri klavyeye dokunmadan önce iç kulağıyla yeniden yaratması gerekir. Bu ilk başta kısmen başarılı olsa bile tekrar tekrar denenmesi gerekir. Sonunda istenilen sonucu verecekler.

Bazı notaların, akorların, pasajların, dokusal kombinasyonların vb. tam olarak icracının istediği gibi ses çıkarması için, yalnızca ses rengini veya tınısını değil, aynı zamanda bu durumda kullanılacak çalma tekniğini de hayal etmek gerekir. Bu tekniğe dahil olan, onunla organik olarak bağlantılı olan dokunsal ve kinestetik hisleri kendinizde uyandırmanız, zihinsel olarak hayal etmeniz tavsiye edilir. İç resim, hareketin görüntüsü özel enerji kaynaklarına sahiptir. Ellerin ne yapacağı fikri, eğer yeterince açık ve belirginse, gerçekten yeterli motor reaksiyonları hayata geçirir. Tetiklendi

ideomotor mekanizmalar olarak adlandırılan mekanizmalar: içsel olan dışa, ideal olan materyale, zihinsel olarak görünene, hayali olan gerçeğe geçer. Hareketin içsel temsili, motor-motor (teknik) probleminin pratik çözümünü büyük ölçüde kolaylaştırır. Beyinden gelen uyarılar, elleri gerekli çalma tekniklerine ve yöntemlerine yönlendirir ve klavyede uygun hareket yöntemlerini önerir.

Kendi başınıza sadece yavaş değil, aynı zamanda hızlı (“gerçek”) bir hızda oynamanız gerektiğine dikkat edilmelidir. Öğrenciler genellikle oyun sırasında hızlı düşünmeye alışkın olmadıkları ve yüksek hızlı modda net ve hızlı hareket edemedikleri için teknik olarak bir parçada şu veya bu zor yerde başarısız olurlar. Gerçek performansta olduğu gibi, zihninizde çalışarak yavaş tempodan hızlı tempoya doğru yavaş yavaş ve tutarlı bir şekilde, sanki her seferinde daha da yükseliyormuş gibi, sonuçta gerekli olacak tempoya yaklaşıyormuşçasına hareket etmek daha iyidir. Sadece sanatsal malzemeyle değil, eskizler, ölçekler ve özel alıştırmalarla da bu şekilde çalışmalısınız. Aynı model onlar için de geçerlidir: İşitsel prototip ne kadar net ve belirgin olursa performansın kalitesi de o kadar iyi olur.

Rus ve yabancı yazarların (Z. Kodai, B. Bartok, K. Orff, B.L. Yavorsky, B.V. Asafiev, M. Varro, L. Kestenberg, F. Lebenstein, L.A. Barenboim ve diğerleri) teorik ve metodolojik çalışmalarında aşağıdaki yönleri ortaya çıkardı: sanatçının işitsel aktivitesini eğitmek. Bunlar arasında işitsel dikkat ve hafızanın gelişimi; perde, ritmik, tını, dinamik, doku-mekansal ilişkilerdeki sesteki ince işitsel farklılıkların becerilerinin oluşumu; işitsel gözlem ve müzikal sürecin analizi ile ilgili becerilerin geliştirilmesi. İç işitme faaliyetinin, yani işitsel fikirlerin ve hayal gücünün çok önemli rolü kabul edilmektedir. Ses temsillerinin doğruluğu, parlaklığı, bütünlüğü, bunların keyfi manipülasyonu - hem performans eyleminde (içeriden dışarıya, işitmeden motor becerilere, "ileriye koşmaya") hem de işin zihinsel ustalığı sırasında (netlik) örneğin I. Hoffman'ın söylediğim gibi, ses resminin akılda kalması) - performans-metodolojik düşünce, temelde önemli, temel bir tutum olarak onaylandı. Modern yabancı yazarların çoğu bu soruna değindi. Örneğin Alman araştırmacı T.W. Adorno, bir makalesinde müziğin dışsal algıdan içsel farkındalığına geçiş sürecini inceliyor ve "müzikte dışsallığın kendi başına var olmadığına, müziğin duyusal hayal içeriğine sahip olduğuna" inanıyor. Ona göre kişinin kişisel müzik algısı ile “müzik dilinin yapısal gereklilikleri”ni birleştirebilmek gerekiyor.

Sovyet müzisyenleri piyanistin işitsel kültürü anlayışını önemli ölçüde zenginleştirdi. İşitsel kültür kavramı, Asafiev'in tonlama doktrinindeki temel kavramlardan biridir. "Müzik birçok kişi tarafından dinlenir, ancak çok az kişi tarafından duyulur" - "Tonlama" nın ilk bölümünü açan bu aforistik olarak konsantre ifadeyle yazar, "müziğin bir tezahürü olarak insan tonlama kalıplarının" incelenmesinin tonunu belirliyor gibi görünüyor. düşünce...". Veya örneğin B.V.'nin bu açıklaması. Asafiev: “Her türlü bilişsel ve gerçekliği yeniden yapılandıran insan faaliyeti gibi, müzik de bilinç tarafından yönlendirilir ve rasyonel bir faaliyeti temsil eder. Müzik tonlanmış anlam sanatıdır. Bu, insan tonlamasının doğası ve süreci tarafından belirlenir: Bu süreçteki kişi kendisini gerçeklikle ilişkisinin dışında hayal etmez. . Bu tezlerde asıl önemli olan müzikal tonlamanın anlamsal yönünün doğrulanmasıdır. Müziği gerçekten duymak, her şeyden önce onun tonlama anlamını kavramak demektir. Tonlama dışında müzik yoksa, bilincin mecazi-bilişsel faaliyeti dışında müzikal işitme-algı da yoktur.

Müziğin tonlama içeriğinin algılanmasında duygusal ve entelektüel yönler baskın rol oynamaktadır. Müziği duymak onu anlamak ve deneyimlemek demektir. Ancak burada figüratif-çağrışımsal faktörü dahil etmek gerekir. Örneğin Asafiev'in düşüncelerinin çoğu, tek, dahili olarak bölünmez anlamlı bir tonlama kompleksi olarak kabul ettiği şeyin "imge - duygu - düşünce" üçlüsü olduğunu göstermektedir ("düşünceleri ve duyguları sözlü ve müzikal konuşmada ifade etmek", "düşüncenin alıcılığı") ve duygusal ton”, “görüntü-ses izlenimi”, “bilincin görüntü-bilişsel etkinliği”).

Bu alaşım yalnızca insan ruhunun ve bilincinin durumu hakkında bilgi taşımakla kalmaz, aynı zamanda hareket, jest, yüz ifadeleri, nefes alma, nabız, fiziksel ve zihinsel ton vb. ile mecazi ve somut çağrışımları da içerir. Buradan müziğin tonlama içeriği gelir. duyulur – sadece kavramsal olarak anlaşılmaz, herkes tarafından deneyimlenir insan oğlu, refleks ve içgüdü düzeyinden bilincin en yüksek düzeylerine kadar ruhun tüm katmanlarını bütünsel olarak etkiler. Motor, plastik, kas, dokunsal, solunum ve diğer temsiller, tonlamaların ifadesinin tamamen işitsel algısından ayrılamaz. Hayal gücünü harekete geçiren bu tür performanslar, icracıyı fiziksel olarak ses araması ve duyulması için ikna etme eğilimindedir. Bu tarafın ilginç yorumu

S.E.'den etkileyici piyano tonlaması Feinberg. "Bir Sanat Olarak Piyanizm" kitabında "jestlerin amaca uygun hareketlerle birleşimi ve ses üretiminin doğru tekniği"nden bahsediyor. Herhangi bir enstrümantalistin çalmasına eşlik eden karmaşık hareketler dizisinde, hareketlerin bir kısmı acil (rasyonel) hedefe, yani gerekli sesin gerçekleştirilmesine yöneliktir. Diğer kısım ise oyuncunun ruh halini, icra edilen kompozisyona karşı tutumunu, istemli gerilimi ve yorumlama niyetinin anlamını “ifade eder”.

İç işitme veya müziğin temsilini bir ses veya enstrüman olmadan keyfi olarak kullanma yeteneği, bir müzisyenin işitsel tonlama kültürünün en önemli bileşenidir. İç kulağı oluşturulmuş bir müzisyen, hafızasında depolanan müzik görüntülerini hayal gücünde özgürce geri yüklemekle kalmaz, aynı zamanda bunları işitsel bilincinde aktif olarak işleyebilir, yani onları analiz edebilir ve elementlerden yeni ses görüntüleri sentezleyebilir. Böyle bir müzisyen, bunları zaman içinde nasıl açacağını bilir, tüm ses-zaman parametreleriyle ilişkili olarak sesi zihinsel olarak ince bir şekilde değiştirebilir ve değiştirebilir. Buradan, iç işitmenin yaratıcı müzikal düşüncenin temel koşulu olduğu açıktır.

Bir icracı için, bir müzik metnini zihinsel olarak seslendirebilmek, yani sanki gözlerinizle duyuyormuşçasına önemlidir. Performans sürecinde sesin içsel temsili özel bir işlevi yerine getirir. İcracının işitsel düşüncesinin parmaklarının ilerisinde olduğu, sürekli olarak yeni ses görüntüleri hazırladığı ön duruşma (“ön duruşma”), icra oluşumunun usul bütünlüğü için gerekli bir koşul olan müziğin zamansal gelişiminin sanatsal mantığını sağlar. .

En önemli aşama müzikal-işitsel fikirlerin geliştirilmesinde - istemsiz ortaya çıkmalarından gerekli müzikal-işitsel görüntüleri gönüllü olarak uyandırma yeteneğine geçiş. Bu nedenle, yalnızca seslerin algılanması yeterli değildir: mutlaka bu tür bir temsili gerektiren bir etkinliğe ihtiyacımız var. Benzer bir aktivite, gerçek sesi sayesinde müzikal görüntülerin ortaya çıkmasının temelini oluşturan kulak yoluyla seçimdir. B.M.'ye göre canlı, somut ve doğru temsiller. Teplov, kendiliğinden ortaya çıkmaz, yalnızca faaliyet sürecinde gelişir ve dahası, bu nitelikleri fikirlerden gerektiren bir süreçtir. Bu temsillerin temel ilkesidir.

Fikir oluşumunun ana koşulları, görevi tamamlama gerekliliği ve faaliyetin aktif yönelimidir. Kulaktan seçmede, yaratıcı düşünmeyi ve görevi tamamlamayı teşvik eden bir odak yaratılır. Algılama sırasında ortaya çıkan perde fikirleri aslında seste somutlaşır ve yalnızca ilk algıları pekiştirmekle kalmaz, aynı zamanda onları etkinleştirir ve böylece aktivitenin daha da iyileştirilmesi için ön koşulları yaratır. Bu nedenle, kulak yoluyla seçime ilişkin doğru şekilde yapılandırılmış eğitim çalışması, mutlaka işitsel kavramların ve bunun sonucunda da iç işitmenin gelişmesine yol açar.

Temsiller nesnel gerçekliğin görüntüleridir. Bireysel gelişim sürecinde nesneler hakkında giderek daha genelleştirilmiş bilgiler olarak oluşurlar. Konu hakkındaki bilgiler sayesinde fikirlerin görsel, duyusal-figüratif doğası genellik ve keyfilik özelliğini kazanır. Temsil mekanizmalarının bu spesifik özelliği aynı zamanda kulak yoluyla seçim yaparken metodolojik tekniklerin seçimini de belirler (melodik hareket, yapı vb. analizinin kullanılması). Edinilen kavramlar biçimindeki teorik bilgi, yalnızca duyusal, bireysel fikirlerin oluşumunu zayıflatmaz veya engellemez, aksine bunların somutluğu, bütünlüğü ve istikrarının temel koşuludur.

Performansın sanatsal yönünden bahsetmişken, bir öğrenciyle çalışırken müzikal düşüncenin bireysel özelliklerini hesaba katmak önemlidir. Her insanın çevredeki gerçekliğe dair kendi vizyonuna, kendi algısına sahip olduğunu unutmamalıyız. Müziğin hem bireysel unsurlarının hem de bir bütün olarak eserin sesinin doğası üzerinde çalışırken, belirli bir pasaj veya eser için en uygun olan yöntemleri veya yöntemleri dikkate alarak tam olarak seçmek gerekir. özellikler. Örneğin dans türünde (polka, mazurka, vals vb.) dans hareketiyle ilişkili çeşitli sanatsal görüntüler kullanırız: atlamalar, yumuşak sallanma, kayma hareketleri vb. Her sanatçının kendi çevresi vardır. sanatsal görseller yalnızca kendisine özgüdür. Bir eser üzerinde çalışırken, öğretmen tarafından önerilen, doğru vuruşu, uygulama şeklini, sesin karakterini elde etmek için kullanılan derneklerin çeşitleri öğrenciye uymuyorsa, onun için yeterince parlak ve ikna edici değilse, bu gereklidir. gelecekte tekrar tekrar kullanacağı kendi fikirlerini, modellerini veya görsellerini ararken "büyümek" ve bu bir alışkanlık haline gelecektir. Bütün bunlar bilinçaltına bırakılan duyusal düzeyde yapılmalıdır. Öğrenci bu tür görüntüleri kendi duyularının prizmasından geçirerek tam olarak bu yönde düşünmeye alışmaya başlar ve ezberleme çok geride kalacaktır.

Makalede açıklanan metodolojinin uygulanmasının etkinliği pratikte doğrulanmıştır. Birkaç yıl boyunca, farklı eğitim derecelerine sahip üniversite ve kolej öğrencileriyle pratik araştırma çalışmaları yürütüldü, müzik materyaline hakim olma süreci gözlemlendi ve sonuç olarak elde edilen sonuçların değerlendirmesi yapıldı. Çağrışımları kullanan bir performans müzisyeninin becerilerinin oluşumu ve geliştirilmesi üzerinde çalışma yöntemleri, zaman ve çaba harcamasını azaltırken bilginin anlaşılmasını ve ezberlenmesini teşvik eden zekanın, yaratıcı düşünmenin geliştirilmesinde en verimli araç olarak kabul edilir.

Psikolojik ve pedagojik araştırmaların ve pratik deneyimlerin analizine dayanarak, aşağıdaki sonuçlar çıkarıldı:

Müziğin tam olarak algılanması işitsel, mantıksal, ilişkisel ve motor hafızanın aktivasyonunu gerektirir.

Algılama süreci figüratif düşünceye dayanır.

İlişki çeşitli türler algı (görsel, işitsel, konuşma, kinestetik) hayal gücünü harekete geçirir.

Müziği algılamak (dinlemek), çağrışımsal diziler oluşturma becerisini geliştirir.

Bu nedenle, öğrencilerle çalışırken maksimum verimlilik için aşağıdakilere odaklanmanız gerekir:

Müzik teorik bilgi, beceri ve yeteneklerini geliştirmek;

Bireysel yaratıcı düşüncenin gelişimi;

Dikkati bütünden özele ve tam tersine çevirme yeteneği;

Öğretmenin, materyali öğrenirken öğrencilerin kendi ilişkisel modellerini yaratma yeteneğini geliştirmek;

Etkinleştiren tekniklerin sistematik kullanımı zihinsel aktiviteöğrencilerin (analiz, kavrama, hayal gücü);

Öğrencilerin bireysel yetenekleri ve gelişim düzeyleri.

Bir eser üzerinde çalışırken ilişkisel bir yaklaşımın kullanılması, yaratıcı düşünceye özgürlük verir, yaratıcı yetenekler geliştirir, sanatçıyı özgürleştirir, onu teknik zorluklardan kurtarır.

1. Liste F. Seçilen makaleler. M., 1959.

2. Martinsen K.A. Ses yaratıcı iradeye / transa dayalı bireysel piyano tekniği. onunla. V.L. Michelis; ed., not. ve giriş Sanat. G.M. Kogan. M., 1966. 220 s.

3. Busoni F. Müzik sanatının yeni estetiğinin taslağı. M., 1996'nın 1912 baskısının yeniden basımı.

4. Nemov R.S. Psikoloji: 3 kitapta. Kitap 2. Eğitim psikolojisi. M., 1995.

5. Nikolaev A.A., Ginzburg G.R. Piyano performansıyla ilgili sorular. Cilt 2.M., 1968.S.179.

6. Belova N.A. Çocuk müzik okullarının müzikal ve yaratıcı düşüncesinin etkinleştirilmesinde müzik ve kelimeler arasındaki ilişkisel bağlantılar // Sanat ve Eğitim. 2009. No. 4. S. 82-85.

7. Tsypin G.M. Sanatçı ve teknik: ders kitabı. ödenek. M., 1999.

8. Milshtein Ya. Teorik sorular ve performans tarihi. M., 1983. 262 s.

9. Adorno T.W. NBC Müzik Takdir Saatinin Analitik Çalışması // The Musical Quarterly. 1994. Cilt. 78, hayır. 2. S. 325-377.

10. Malinkovskaya A.V. Piyano icra eden tonlama. M., 1990.

11. Asafiev B.V. Bir süreç olarak müzikal form. M., 1971.

12. Feinberg S.E. Bir sanat olarak piyanizm. 2. baskı, ekleyin. M., 1969.

13. Teplov B.M. Müzikal yeteneklerin psikolojisi. M., 2003. 384 s.

Adorno, T. W. 1994, "NBC Müzik Takdir Saatinin Analitik Çalışması", The Musical Quarterly, cilt. 78, hayır. 2, s. 325-377. https://doi.org/10.1093/mq/78.2.325.

Asafyev, BV 1971, Bir süreç olarak müzik, Moskova, (Rusça).

Belova, NA 2009, "Müzik okulu öğrencilerinin müzikal ve yaratıcı düşüncelerini harekete geçirirken müzik ve kelimeler arasındaki ilişkisel ilişkiler", Iskusstvo i obrazovaniye, no. 4, s. 82-85, (Rusça).

Busoni, F 1996, Yeni bir müzik estetiğinin taslağı: 1912 baskısından yeniden basılmıştır, Moskova, (Rusça). Feinberg, SE 1969, Piyano çalma sanatı, 2. baskı, Moskova, (Rusça). Liste, F 1959, Seçilmiş makaleler, Moskova, (Rusça).

Malinkovskaya, AV 1990, Piyano performansının tonlaması, Moskova, (Rusça).

Martinsen, KA, Mikhelis, VL (çeviri) & Kogan, GM (ed.) 1966, Sesle üretilen iradeye dayalı kişisel piyano tekniği, Moskova, 220 s., (Rusça).

Milshtein, Ya 1983, Performansın teorik ve tarihsel sorunları, Moskova, 262 s., (Rusça). Nemov, RS 1995, Psikoloji, 3 kitapta, kitap 2, Moskova, (Rusça).

Nikolaev, A.A. ve Ginzburg, G.R. 1968, Piyano performansının sorunları, s. 2, Moskova, s. 179, (Rusça). Teplov, BM 2003, Müzikal yeteneklerin psikolojisi, Moskova, 384 s., (Rusça). Tsypin, GM 1999, Sanatçı ve teknik, çalışma kılavuzu, Moskova, (Rusça).

Konuyla ilgili metodik mesaj:

“Piyano dersinde öğrencilerin müzikal ve işitsel anlayışlarının oluşumu ve gelişimi”

Hazırlayan: Baş. Torzhok Çocuk Sanat Okulu piyano bölümü

Semenova Marina Nikolaevna

Müzikal işitmenin ana bileşenlerinden biri, müzik materyalini işitsel olarak temsil etme yeteneğidir. Müzik pedagojik literatüründe bu yetenek genellikle içsel işitme kavramıyla ilişkilendirilir.

Örneğin Rimsky-Korsakov, iç işitmeyi, müzik tonlarını ve aralarındaki ilişkileri bir enstrümanın veya sesin yardımı olmadan zihinsel olarak temsil etme yeteneği olarak adlandırdı. Bununla birlikte, “iç işitmenin” özü, yalnızca müzikal sesleri ve bunların ilişkilerini hayal etme yeteneğinde değil, aynı zamanda müzikal-işitsel fikirleri gönüllü olarak çalıştırma (yani belirli bir aktivitede kullanma) yeteneğinde de yatmaktadır; bir melodi mümkündür.

Müzik ve işitsel algılar da diğer tüm yetenekler gibi kişiyle birlikte doğmaz. Öğretmenin görevi bunları oluşturmak ve geliştirmektir.

Bir müzisyen için (en küçüğü bile), iç işitme yeteneği büyük önem taşır, çünkü ne kadar belirgin ve çeşitli olursa, ifade edici, yaratıcı, duygusal performans, çalma sırasında işitsel öz kontrol için o kadar fazla fırsat vardır, Bu sürecin ayarlanması ve iyileştirilmesi için.

Schumann bile “Genç Müzisyenlere Tavsiyeler”de müzikal ve işitsel temsil konusunu ilk sıralardan birine koyuyor. "Kağıt üzerindeki tüm müziği anlayabileceğiniz noktaya gelmelisiniz" diye yazdı. Çalabilmeniz için önünüze bir beste koyarlarsa, önce gözlerinizle okuyun. Eğer piyanoda birkaç küçük melodiyi bir araya getirebiliyorsanız, o zaman bu iyidir; ama eğer piyanonun yardımı olmadan kendi başlarına size gelirlerse daha da sevinin; bu, iç işitme duyunuzun uyandığı anlamına gelir.”

Modern piyano pedagojisi işitsel temsil yeteneğine çok büyük önem vermekte ve her müzisyen için gerekli bir aksesuar olarak değerlendirilmektedir.

Müzikal-işitsel kavramların gelişim yolları sorunuyla bağlantılı olarak iki açıklama yapmak gerekir.

1. Algılamada doğrudan desteğe sahip olduklarında fikirlerin ortaya çıkması büyük ölçüde kolaylaşır. Dolayısıyla müzikal-işitsel fikirlerin gelişmesinin doğal yolu, algı sürecinde ortaya çıkan fikirlerin gelişmesiyle başlayan yoldur.

2. Müzikal ve işitsel fikirler kendiliğinden ortaya çıkmaz ve gelişmez, yalnızca bu fikirleri gerektiren faaliyet sürecinde ortaya çıkar ve gelişir.

Bu hükümlere dayanarak, bir enstrüman çalmayı öğrenmeden önce bile çocuğun müzik algısını formüle etmenin gerekli olduğu sonucuna varılmalıdır. Bu görevler, şu anda neredeyse tüm okullarda oluşturulmakta olan hazırlık sınıfları tarafından çözülmelidir. Öğretmenler hazırlık sınıfı öğrencilerini ne yapmalı?

İç işitmenin ve hedeflenen müzik dinlemenin geliştirilmesine yönelik bu hazırlık döneminde öğrencilerle aşağıdaki alanlarda çalışmalar yapılır:

Bazı müziksel deneyimlerin ve müzikal-işitsel algıların birikimi,

Melodi hareketinin doğasında yönelimin geliştirilmesi ve sağlam hayal gücünün geliştirilmesi,

Melodileri kulaktan seçerek piyano ile işitsel olarak tanışma.

Bu tür çalışmalara bir örnek müzik oyunuçocukların çok sevdiği bir mendille: öğretmen elini bir mendille kapatır ve küçük bir motif yapar. Öğrenci bu melodiyi kulaktan kulağa tekrarlamalıdır. Ve sonra tam tersine öğrenci elini bir mendille kapatır ve bir sebep bulur. Öğretmen tekrar etmelidir. Üçüncü kez hem öğrenci hem de öğretmen ellerini eşarpla kapatır. Biri nedeni belirler, diğeri tekrar etmelidir. Bu egzersiz sadece çocuğun iç işitme yeteneğini geliştirmekle kalmaz, aynı zamanda ona görmenin yardımı olmadan klavyede gezinmeyi de öğretir. Daha sonra, notalar okurken bu yardımcı olacaktır.

Öğrenciye yavaş yavaş dikkatini yoğunlaştırarak aktif olarak müzik dinlemesi öğretilmelidir. Karakterini anlamalı, ritimdeki değişiklikleri, dinamik tonları, müzik cümlelerinin ifadesini vb. duymalıdır. Genç bir öğrencinin melodileri çalması, ardından analiz etmesi, karakter hakkında konuşması, mecazi karşılaştırmalar yapması, bu müziğe isim vermesi ve resim çizmesi çok faydalıdır.

Müzikal-işitsel fikirlerin oluşumu ve işleyişi, tanıma, karşılaştırma, yan yana koyma gibi zihinsel yeteneklerin gelişimi ile organik olarak bağlantılıdır. Bir çocuk müzik dinlemeyi ve onu analiz etmeyi öğrendiğinde, yalnızca dışarıdaki performansa karşı dikkatli olmakla kalmayacak, aynı zamanda kendi performansına karşı duyarlılığı da artacaktır.

Öğretmen ancak müziği algılamak ve en basit melodileri ezberlemek için gerekli yönlendirmeyi sağlayarak doğrudan piyano çalmayı öğrenmeye ilerleyebilir.

G. Neuhaus bunu çok güzel söylüyor: “Bir öğrencinin - ister çocuk ister yetişkin olsun - herhangi bir enstrümanı öğrenmeye başlamadan önce, bir tür müzik üzerinde manevi ustalığa zaten sahip olması gerekir: tabiri caizse, onu zihninde saklayın, taşıyın. onu ruhunda hisset ve kulağınla duy. Yeteneğin ve dehanın tüm sırrı, müziğin bir tuşa ilk kez dokunmadan veya tel boyunca bir yay çizmeden önce beyinde zaten tam olarak yaşıyor olmasıdır.

Bu nedenle öğrenciye nota çalmayı öğretmek için acele etmemek gerekir. Müzik notaları yalnızca öğrenci yeterince net bir ses temsili geliştirdiğinde ve notaları okuma süreci şu prensibe göre gerçekleştirilebildiğinde tanıtılır: görsel algı - ses temsili - motor dürtüler.

Ne yazık ki, pedagojik uygulamada, bir enstrüman çalmanın resmi, tamamen taklit yoluyla öğrenilmesiyle karşılaşılır ve bu, öğrenmenin birincil, belirleyici aşamasını olumsuz yönde etkiler.

Öğrenciye gösteri ve sözlü anlatım yoluyla “müzik notaları” sunulur. Dahası, her anahtarın belirli bir grafik-görsel görüntüye - aynı adı taşıyan bir nota - karşılık geldiğine vurgu yapılıyor. Bununla birlikte bir takım hazırlık motor egzersizleri de tamamlanır. Her şeye bir dereceye kadar hakim olunduğunda öğretmen müzik materyalini öğrenmeye devam etmenin mümkün olduğunu düşünür.

Bu durumda enstrüman çalmanın tek doğru ilkesi ihlal edilmiş olur: Görüyorum, duyuyorum, hareket ediyorum. Seçkin Alman öğretmen-piyanist K. Martinsen şunları yazdı: "Yeni başlayanlarla çalışırken, piyano çalarken "önce tuşa basın ve sonra sesi duyun" durumunun baskın zihinsel tutum haline gelmediği konusunda uyarmak çok önemlidir."

Bu yöntemi kullanarak öğrenmenin sonucunda ne olur? Olumsuz sonuçlar çok çabuk etkisini gösterir. Bu, her şeyden önce mekaniklik, uygulamada anlam eksikliğidir. Müzik notalarını tuşlara aktarma, motor dönüştürme süreciyle meşgul olan bir öğrenci, sesi hayal etmemekle kalmıyor, gerçek sonucu bile duymuyor.

Buna dayanarak öncelikle öğrencinin işitsel yönelimini harekete geçirmek gerekir ve bu, yapılana karşı bilinçli bir tutuma, müzikal ve işitsel kavramlarla yakın bağlantılı motor tekniklerin ve becerilerin oluşmasına katkıda bulunacaktır.

Müzikal ve işitsel algılar sesten önce gelir ve onu şekillendirir. Her zaman olduğu gibi tekrar tekrar yaratılan belirli becerilerin kullanımını belirleyen, ses görüntülerinin doğasıdır.

Piyano çalmayı öğrenmenin en başından itibaren öğretmen, herkese verilen elin aynı "pozisyonunu" sonsuza kadar terk etmelidir. Bu kesinlikle üretimle ilgili değil. Ve öğrencinin ses üreten bir mekanizma olarak enstrümana ve klavyeye karşı doğru tutumunda.

Bu, motor becerilerin gelişiminin şansa bırakılabileceği anlamına gelmez. Aksine, genel ayarlara kesinlikle ihtiyaç vardır, çünkü bir sesi veya müzikal açıdan anlamlı herhangi bir ses kombinasyonunu yeniden üretmeye yönelik ilk girişimler, bunun belirli performans teknikleri kullanılarak enstrümanda doğru şekilde uygulanmasını gerektirir. Bu nedenle, müzikal düşüncenin gelişmesiyle eş zamanlı olarak öğretmen öğrenciyi organize çalma hareketlerinde ustalaşmaya hazırlar.

Öğrenciye en çok anlatmak gerekir Genel Hükümler: enstrümanın başına nasıl oturulur, kol nasıl kaldırılır ve indirilir, dirseğinizin nerede olması gerektiği vb.

Öğrencinin klavyeyi ses zenginliği kaynağı olarak hissetmesi önemlidir. Ses fikrinden ve onun gerçek düzenlemesinden öğrenci gerekli hareketlere gelir - basit, elastik, ekonomik.

Birinci sınıf öğrencisi için ilgili görevler şunlardır:

1) Bir sesin işitsel temsili, karakteri ve dolayısıyla sesin tınısı

2) Geliştirilen fikre göre aynı sesi farklı şekillerde çalın. Bunu yapmak için, gerekli çalma hareketlerini hayal etmeniz ve belirli bir ses karakteri elde etmek istemeniz gerekir: yumuşak-uzun, derin-yüksek, hafif-kısa vb.

Öğrenci, sesin karakterinin ve tınısının çok özel bir işitsel ruh hali ve hareket gerektirdiğini anlar.

Bir sesi farklı şekillerde icra edebilmek veya en basit melodinin karakterini hissedip yeniden üretebilmek, yeni başlayan bir icracı için zaten önemli bir görevdir. Ve bu tür görevlerin çocuk için ilgi çekici olması ve hayal gücünü geliştirmesi için görevler şiirsel biçimde verilebilir. İşte bu tür şiirlere bir örnek:

En sevdiğiniz şarkıyı söyleyin ve ardından parmağınızla “3”ü seçin

Bu şarkıyı çok güzel çal

İşte ikinci oktav tavşanı

Şarkı senin hakkında böyle geliyor

Küçük kulaklı tavşan çok hünerli

Zıplama sesi eğlenceli skok evet skok

“2” parmağının tavşan hakkında oynamasına izin verin

Çocuklar bu şarkıyı tanıyacak

Haylaz bir kuş dalı salladı

Bir şarkı söylüyor, rüzgar onu yansıtıyor

“3” parmağı üçüncü oktavda olsun

Şarkısının sesleri yakında tekrarlanacak

Aniden küçük bir farenin sesini duydum

Ve hemen bu seslere koştum

Ama seslerle birlikte hangi oktavda şarkı söyledi?

“4” parmağı bir şarkı mı çaldı?

Küçük oktav

Küçük bir tilki oktav boyunca yürüyor

Küçük Tilki yürüyor ve şarkı söylüyor

Ve “4” parmağı şarkı söylemesine yardımcı oluyor

Şarkı söylemesine yardım ediyor, ona yol gösteriyor

Majör oktav

Kurt oktav boyunca yürür

"Büyük" olarak anılan

"2" parmağının oynamasına izin verin

İçinde bir kurt tasvir ediliyor

Sözleşmeli

Ayı tombul ve tüylü

Patladığım dallar sallanıyor

Karşı oktav "3" parmağında

Hedef hakkında oynamasına izin ver

G. Neuhaus bu konuda şöyle yazıyor: “İlk unsurun tek notanın çalınması olarak değerlendirilmesini öneriyorum. Gerçekten meraklı ve araştırıcı bir piyanist, piyano çalma dünyasındaki bu "amip" ile ilgilenmeden edemez... Piyanoda tek parmağıyla tek bir ses çalmak zaten bir görevdir ve bilişsel açıdan ilginç ve önemli bir iştir. ... bu tek notayı çalabilirsin farklı parmaklar, pedallı ve pedalsız. Ayrıca bunu çok “uzun” bir nota olarak alıp, ses tamamen kayboluncaya kadar, sonra daha kısa, en kısasına kadar uzatabilirsiniz. Eğer oyuncunun hayal gücü varsa, o zaman tek bir notada pek çok duygu tonunu ifade edebilecektir: hassasiyet, cesaret, vb.”

Müziği öğrenme sürecinde performanslar, duygusal duyarlılık ve tepki verme, dikkat, hayal gücü ve yaratıcı aktivite gibi zihinsel özelliklerin gelişmesiyle bağlantılı ve etkileşimli olarak geliştirilir.

Çocukları gerçekten büyülüyor ve müzik besteleyerek hayal güçlerini ve yaratıcı inisiyatiflerini geliştiriyor. Çocuk ilk olarak en sevdiği masal, çizgi film ve kitapların karakterleri için küçük melodiler besteler. Ve bu melodileri o kadar anlamlı bir şekilde icra etmeli ki, müzikal seslerin yardımıyla kimi canlandırdığı belli olsun.

Sizlere hazırlık sınıfı öğrencisi Masha Katerenchuk'un A. Tolstoy'un "Altın Anahtar" masalının kahramanları için tema melodilerini nasıl bestelediğini anlatmak istiyorum. "Altın Anahtar" Masha'nın en sevdiği masaldır. Masalın ana karakterlerinin karakterleri hakkında çok detaylı konuştu. Pinokyo için Masha 1 oktavda bir melodi buldu. Pinokyo çok neşeli ve canlıdır, bu nedenle melodide çok fazla iniş ve çıkışlar vardır; ana renklendirme. Ve bunu aniden, net, kesin bir sesle, hareketli bir tempoda icra etti. Melodi neşeli bir dansı andırıyordu.

Pierrot her zaman üzgündür, bu yüzden melodisi sanki ağlıyormuş gibi alçalan motifler üzerine kuruludur. Maşa bunu yavaşça, derin, melodik bir sesle, çok tutarlı bir şekilde seslendirdi. Melodi hüzünlü bir şarkıyı andırıyordu.

Maşa, Senor Karabas Barabas için küçük bir oktavda bir melodi buldu. Melodi Karabaş Barabas'ın büyük, korkutucu adımlarını taklit ediyor. Masha bunu kalede bir yürüyüş gibi tutarsız bir şekilde gerçekleştirdi.

Bütün bu melodiler hâlâ notasız besteleniyordu, not defterine yazılmıyor, ezberleniyordu. Daha sonra öğrenci bu melodileri kaydederek notalarda ustalaştı. Daha sonra küçük şiirsel metinler için melodiler oluşturabilirsiniz (öğrenci bunları kendisi bulabilir). Metin size melodinin doğasını anlatacak, öğrenciyi zihinsel olarak sağlam bir görüntü oluşturmaya ve bunu anlamlı bir şekilde gerçekleştirmeye zorlayacaktır. Hazırlık sınıfı öğrencisi Sasha Sokolov şu görevi aldı: şiirsel bir metin için melodi bestelemek: “Bir zamanlar bir örümcek bir ağ ördü ve ağı bir dalın üzerine astı. Sasha şiirsel metni ekledi: "Ve bir sivrisinek içeri uçtu ve yüksek sesle bir şarkı söyledi."

Sasha, şarkının ilk bölümünü minör tonda yazdığını söyledi. Melodi, seslerin tekrar tekrar söylenmesi üzerine inşa edilmiştir - bir örümcek ağ örer. Sasha bunu çok tutarlı ve sessizce gerçekleştirdi. Bunun Sasha'nın ilginç bir buluşu olduğunu düşünüyorum. Ve ikinci bölüm majör bir notayla yazıldı ve neşeyle, forte olarak icra edildi. Sasha şöyle açıkladı: "Sivrisinek uçtu ve örümceği yaptığı işten dolayı övdü."

Bir melodinin sesini dikkatle dinleyebilmek, çeşitli nüanslar elde edebilmek, bir enstrümanın tınısını çeşitlendirebilmek - bu niteliklerin öğrenmenin ilk adımlarından itibaren geliştirilmesi gerekir.

Müzik notasına geçiş, önceden edinilmiş ses materyalinin kaydedilmesi olarak düşünülmektedir. K. Martinsen şunları yazdı: “Yeni başlayanlarla ders sürecinde notaların incelenmesi, ancak öğretmen öğrencinin kulak rehberliğinde gerçekten çalma yeteneğine sahip olduğuna tamamen ikna olduğunda başlamalıdır... Yaşlı Vic, kızlarına piyanoyu bir süre öğretti. bütün yıl notsuz.”

Bir müzik notasyonu bir anahtarın değil, bir sesin temsilini çağrıştırmalıdır. Bu şu şekilde yapılır. Öğrencinin kulaktan kulağa seçtiği, masal kahramanları için bestelediği, şiirsel metinlere dayalı ve iyi ustalaştığı şarkılar, mısraların ve notaların anlamları anlatılarak çıtaya yazılıyor. Ritmik bir desen yaratıyoruz (kısa ve uzun sesler). Bu durumda müzik notaları öğrenci tarafından soyut bir şey olarak değil, daha önce icra edilen müziğin sabitlenmesi olarak algılanır.

1. sınıf öğrencisi Rumyantseva Inga. Ödev: Şu ayetlere dayanarak bir melodi besteleyin: “Zavallı yavru köpeğim, nerede bu kadar ıslandın?

Ormanda yürüdüm, yağmurda oynadım.”

Anahtarlar Do majör ve A minör olarak verildi. Öğrencinin melodiyi yazması, ritmik bir kalıp çizmesi, vuruşları yazması ve uygun bir parmak izi yazması gerekiyordu. Soru küçük bir tonda dile getirildi. Öğrenci ilk hareketin motiflerini çok anlamlı ve melodik bir sesle seslendirdi. Ve cevap büyük bir tonda, kesik kesik, eğlenceli ve kolay bir şekilde icra edildi. Ders sırasında melodiye bir eşlik seçilmesi önerildi.

Aynı zamanda öğrenci, önceden çalmadan, iç işitme yoluyla, müzik metnini analiz ederek ve kendi kendine şarkı söyleyerek, notalardan en basit çeşitli melodilerin karakterini hayal etme yeteneğini geliştirmeye başlar.

1. sınıf öğrencisi Gerasimenko Vera. Vera'ya söylemesi için bir melodi teklif edilir. İlk önce bu melodiyi enstrümansız söyledi. İlk cümlenin büyük bir tonda, ikincisinin ise küçük bir tonda yazıldığını belirtti. Melodinin yapısından bahsetti (üçlü adımlarda yukarı doğru hareket ve aşağı doğru ilerleyen hareket). Daha sonra onlara melodiyi zihinsel olarak söyleme ve melodinin icra edileceği hareketleri hayal etme görevi verildi. Ancak böyle bir ön çalışmadan sonra melodi legato (bağlı) olarak icra edildi. İlk cümle için Vera şu sözleri buldu: "Güneş gökyüzünde doğuyor" ve bunu kalede net, zengin bir sesle seslendirdi. İkinci cümle için “Güneş dağın arkasında kayboldu” sözlerini buldum. Melodi sessiz ve yumuşak bir sesle icra edildi. İfadeler melodik, tutarlı bir performans elde etmemize yardımcı oldu: yukarı hareket ederken kreşendo ve aşağı inerken azalış.

Ve sonra bu melodinin ikinci oktavda bir serçe tarafından "cıvıldadığını" hayal etmeye ve hayal etmeye başladık. Vuruş kesik kesik, ses hafif, çınlıyor, tempo çevik. Küçük bir oktavda, bu melodi bir ağaçkakan tarafından legato olmayan bir şekilde "tıklandı" (öğrenci sol eliyle çaldı). Ve büyük bir oktavda, bir baykuş boğuk bir sesle, legato, sakin bir tempoda performans sergiledi.

Sonraki görev: Bu cümleler için bir eşlik seçin. Eşlik beşte ve üçte seçildi. Beşinci zincir ilk kez oynandı. Öğrenci beşlileri uygun bir şekilde kaydetti - çölde sadece dikenlerin, sıcak güneşin ve boşluğun olduğu bir deve kervanı gibi. Öğrenciye ayrıca üçte birlik bir egzersiz teklif edildi. Üçlüleri çalarken, sesler sıklıkla “vıraklıyor” (yani birlikte çalınmıyorlar). Öğretmen üçlülerin seslerinin iki kız arkadaş gibi çok arkadaşça olması gerektiğini önerdi.

Öğrenci ilerledikçe, repertuarında daha karmaşık eserlerin ve dolayısıyla daha karmaşık performans görevlerinin ortaya çıkmasıyla birlikte, şu veya bu tını rengini, şu veya bu tür staccato'yu elde etmek için gerekli olan yeni motor teknikleri ortaya çıkar; derin, cantilena veya hafif, melodik veya açıkça ifade edilmiş legato ses. İşitme görevleri daha karmaşık hale gelir: Oyundan önce dinamik geçişlerin, tını renginin, artikülasyonun, bir cümlenin tonlamasının vb. zihinsel bir temsili gelmelidir.

Bunu başarmak için öğrencilerde müzik metnini başlangıçta enstrüman olmadan ayrıntılı olarak okuma ihtiyacını geliştirmek gerekir. Bu, tüm tanımlamaları görmek anlamına gelir: tempo, mod, ton, ritim, dinamik tanımlamalar, vuruşlar, parmaklar vb.

İyi bir legato için önemli bir koşul, seslerin tek bir satır halinde icra edildiğini, sonraki her sesin bir öncekinden doğmuş gibi göründüğünü hayal etme yeteneğini geliştirmektir. Bu durumda, uygun dinamiklerin kullanılması büyük önem taşır - seste bir artış veya azalma, performansta melodik ve çekicilik izlenimi yaratır.

Öğrenciler için büyük zorluk, sesin "çok yönlülüğü" sorununu çözmek, bir eserin müzikal dokusunu - melodi ve eşlik, bireysel seslerin renkliliği, basların derin sesini - ayırt etme yeteneğidir.

G. Neuhaus şöyle yazıyor: “Büyük bir ustanın oyunu ne sıklıkla derin bir arka plana sahip, farklı planlara sahip bir resme benziyor: ön plandaki figürler neredeyse çerçevenin dışına atlıyor; oysa ikincisinde dağlar ya da bulutlar neredeyse hiç mavi değil.”

Elbette öğretmenin renkli, mecazi karşılaştırmalar yapabilme becerisi çok önemlidir. Örneğin:

melodi bir nehir gibi akıyor

tema sesi – şarkı söyleme, parlayan, taze

havadar, yumuşak uyum

bas – derin, kadifemsi, ağızda taşsı bir tat bırakmayan

staccato - demirden itmek

kromatizm - yılan gibi sürünmek

Viyana klasiklerinden kibar, dost canlısı melodiler

Her öğretmenin bu konuda birçok ilginç keşfi vardır. İşte G. Neuhaus'un kullandığı ilginç karşılaştırmalar: “Bir müzik parçası, armoni ve bas melodiyi yutarsa ​​ya “başsız bir atlıya”, bas çok zayıfsa “bacaksız bir sakata” ya da “pot- Eğer uyum hem bası hem de melodiyi yutuyorsa göbekli ucube."

Bazen renk boyalarının seçimi çalışmaya yardımcı olur: koyu mavi bas; soluk leylak, açık gri uyum rengi; melodi – parlak mavi, turuncu vb.

Çok sesli bir eseri iyi icra etmenin anahtarı, seslerin her birine bir tını özelliği verme yeteneğidir; farklı tınılardaki sesleri çalma yeteneği.

T.M. Teplov, tınıyı karakterize etmek için aşağıdaki özellik gruplarının kullanılmasını önerir:

1) hafiflik özellikleri: açık, koyu, mat

2) dokunsal özellikler: yumuşak, pürüzlü, keskin, kuru vb.

3) mekansal hacim özellikleri: dolu, boş, geniş, masif vb.

Çalışmada her sesi şarkı söyleyen seslerle karşılaştırmak yardımcı olacaktır: bas ve tenor - erkek sesleri; kadın soprano ve alto. Aşağıdaki çalışma türleri iç kulağı çok iyi geliştirir ve çok sesliliğin hızlı öğrenilmesine katkıda bulunur. Öğrenci enstrümanda bir müzik parçasının küçük bir parçasını çalar, sonra öğretmenin talimatına göre ellerini kaldırır, iç kulağıyla “çalar”, sonra tekrar piyano çalar vb.

Bir parça üzerinde zihinsel olarak çalışmanın, önce metinle "kendi kendine" çalmanın, ardından notalar olmadan ve enstrüman olmadan icracının iç kulağıyla parçanın müzikal dokusunun gelişimini takip etmesi büyük fayda sağlar.

Orkestra renklerine yönelerek müzikal ve işitsel algıların gelişimi kolaylaştırılır. A. Rubinstein piyano hakkında şunları söyledi: “Bunun tek bir enstrüman olduğunu mu düşünüyorsunuz? Bu yüz enstrüman! Örneğin Haydn'ın klasik bir sonatında çalışırken, Haydn'ın orkestranın gelişimi için ne kadar çok şey yaptığını hatırlamanız gerekir. Ve clavier eserlerinde orkestral olarak düşündü; her temada belirli bir enstrümanın sesi duyulabiliyor.

Mozart ise tam tersine opera tarzıyla karakterizedir. Sonatları operalarının kahramanlarını içeriyor gibi görünüyor. Ses arayışınıza buradan başlamanız gerekir.

Ne yazık ki, çocukların çoğu zaman bireysel enstrümanların sesi hakkında çok az fikri vardır veya hiç yoktur. Bu konu ayrılmalıdır Ders saati.

Sadece sanat eserlerini incelerken değil, aynı zamanda etütler ve diziler üzerinde çalışırken de piyanistin sesin doğası, gücü, tınısı ve temposu hakkında çok özel bir fikre sahip olması gerekir.

Etütlerde veya dizilerde müzikal-işitsel görevler elbette sınırlıdır: bunlar doğası gereği hazırlık niteliğindedir (etütler, diziler ve arpejler üzerine yapılan tüm çalışmalar gibi). Bunlar boşluklar, geleceğin detayları; ancak her ayrıntı gibi, sanki "parantez dışında" alınmış gibi bir tür ses özelliğine sahip olmaları gerekir. Müzikal ve estetik görevler ne kadar ilginç ve karmaşık olursa, öğretim materyali üzerinde çalışmaktan elde edilecek fayda da o kadar büyük olur.

Bireysel antrenmanın en önemli amacı gelişimdir. yaratıcılık. Bir müzik aleti çalmayı öğrenmek belirli bir dizi müzik becerisi gerektirir: Müziği duymak ve estetik olarak deneyimlemek, içeriğini anlamak, içinde ifade edilen duygularla empati kurmak, ifade araçlarının anlamını not etmek ve anlamak vb. Ancak müzik yeteneği doğuştan değildir. Uygun faaliyetler sürecinde eğitim ve gelişime uygundurlar. Bir müzik aleti çalmak, yeteneklerin yalnızca kendini göstermekle kalmayıp dinamik olarak oluştuğu ve var olduğu tam da böyle bir aktivitedir.

Bu bakımdan müzikal yeteneklerin geliştirilmesine yardımcı olan yöntemlerin derinlemesine ve doğru bir şekilde anlaşılması önemlidir.

Bir müzik aletini uygulama sürecinde bu tür aktif öğrenme yöntemleri şunlardır:

müzikal ve işitsel algıların aktivasyonu;

zihinsel ve işitsel eylemlerle çalışma yeteneklerinin geliştirilmesi;

müzikal materyalin motor kavramlarla bütünlük içinde zihinsel temsili becerisinin geliştirilmesi;

işitsel dikkatin ve öz kontrolün etkinleştirilmesi;

öğrencilerin verilen problemleri çözmede bağımsız araştırmaya odaklanmaları ve yaratıcı anlayışları

Bu yöntemlere özellikle dikkat edilmelidir.

Kaynakça

Neuhaus G.G. "Piyano çalma sanatı üzerine"

Teplov B.M. "Müzikal yeteneklerin psikolojisi"

Martinsen K.A. “Bireysel piyano öğretiminin metodolojisi”

Liberman E. “Piyano tekniği üzerine çalışma”

Berkman T.L. "Bireysel müzik eğitimi"

Schumann R. “Genç müzisyenlere tavsiyeler”

Turgeneva E., Malyukov A. “Piyanist – Hayalperest”